que empacho de pobreza! Uf!

Así están las cosas!

La película DRIVE es una de las últimas sensaciones cinematográficas del momento. Una película que genera todo tipo de comentarios, tanto a favor como en contra.  Pero sobre todo hace una c0sa: que la gente vaya al cine. Así que vamos a celebrar, por un lado, que haya llegado a las pantallas españolas, porque un servidor cree que es de esas películas que hacen afición al cine. Sin embargo, también creo que es una película un poco tramposa; pero necesaria. Tal vez porque cubre un hueco estético, e incluso generacional. Así que celebraremos, por otro lado, el paseo por el cuidado y divertido artificio que nos ofrece.

DRIVE,  es esa película que hace del enigma del personaje principal su principal baza para no contarnos nada. Nunca sabremos nada de ese hombre tranquilo, enigmático, despiadado pero de buen corazón. Ni casi nada de ninguno de sus personajes o del mundo que le rodea. Hay que reconocer que tiene su valor el ser capaz de convertir en héroe a un personaje tan lejano y artificial; tal vez como autentico reflejo del carácter del escenario que envuelve a la historia: Los Angeles. Así que sí; se le debe de reconocer al director la capacidad de construir una historia vacía (y digo esto sin haber leído el libro en el que está basado el guión) sobre la luz de unos fuegos artificiales espectaculares y bellos pero baratos. Uno no sabe bien si la película cuenta una historia o simplemente existe como justificación de un motivo estético.

Éste rubiales SÍ que te va a ajustar las tuercas.

En algunos foros ha sido definida como una película de acción de “arte y ensayo”. Pues será que eso. Es una buena definición. Sobre todo si nos apoyamos en la idea de que DRIVE no quiere contarnos nada, sólo ofrecernos una degustación.

Diría que DRIVE es como un cuento de hadas y duendes, princesas y caballeros en los que mueren muchos pero nunca sufren, ni sangran o, si lo hacen, es porque son malvados y ese es su castigo, o porque la tragedia les envuelve como seres desgraciados pero bondadosos. Y digo esto porque el prota de DRIVE deja un reguero de sangre y cadáveres a su paso sin que nadie se percate, conduce a cientos de kilómetros por el centro de la ciudad y se pasea por LA con la chaqueta ensangrentada y nunca pasa nada. Salvo que le da lo suyo a los malos muy malos. Al parecer es ese aura de incorruptibilidad y espíritu justiciero lo único que necesita para que nadie se interponga en su camino.

Esta claro que el prota de DRIVE es la versión moderna y motorizada del caballero que busca fortuna, totalmente desarraigado y que comente el error de engancharse a algo de lo que huye: la emoción auténtica.

Podríamos encontrar un referente anterior en “León, el profesional”. Es lo que se me viene a la cabeza, aunque también está claro que la relación entre los personajes y la evolución de los mismos en la cinta de Luc Besson es mucho más interesante e impactante. Aunque al final es, más o menos, lo mismo. Una máquina fría y perfectamente engrasada que pierde su condición de frío espectro social cuando encuentra algo que le toca su alma humana.

Sí, DRIVE es una película artística de acción, o un corto. Uno con poco diálogo y que se ha pasado de duración. O, simplemente, es la película que la MTV hubiera producido en 1982 si la MTV  se hubiera dedicado a eso, a producir películas para museos en aquella época. O un reflejo de lo perdidos que estamos en esta época en la que vivimos.

Sea como fuere, me reitero, es una de esas películas que hacen afición al cine. No se le puede pedir mucho más. Tampoco creo que quiera ofrecer, ni siquiera, eso.

Si te dedicas al arte es porque no tienes elección. “

Paul Schrader, guionista de cine.

Extraído del documental “Tales from the script”

Estas palabras, del famoso guionista Paul Schrader, me dan la excusa perfecta para hablar de lo que, para mí, supone la creación artística desde un punto de vista íntimo. Algo que sólo está recomendado para el yonki creativo, para aquel que no está satisfecho con la realidad que le rodea y necesita, de una forma constante, reinventarla, repensarla y cuestionarla.  Para ese que, de alguna forma, entendió que lo que hace es producto de quien es. Y no al revés.

Si para un creador hay algo así como un “infierno común”, sin duda ese es el escenario de la insatisfacción personal y privada en el que vive la mayor parte del tiempo, y de todos los deseos contrapuestos que uno puede encontrar en ese estado. Y es que en todo creador hay un ego, una voz interior que desde la suficiencia que le proporciona su propia creatividad le dice “eres bueno, puede que muy bueno; destacas. Mereces más, puedes hacerlo”. Al mismo tiempo hay un sentimiento crítico que no para de gritar: “eso no es suficiente, no lo es”.

Sí.

Además, y  finalmente, hay que sumar una tercera voz: la que te dice que podrías estar haciendo cualquier otra cosa más sencilla y práctica. Que sería más feliz si no pensaras tanto.  Tener una vida más “fácil y normal”.

Pero eso es imposible. No podrías intentar hacer otra cosa. Porque lo que haces te define y te identifica, te hace encontrar a tu verdadero YO.  Aunque ese YO no te guste, ni te haga feliz a largo plazo. De eso va el arte, al menos para mí. Crear es un proceso que en parte se basa en encontrarte cara a cara con quien eres para felicitarte y odiarte al mismo tiempo.

Son muchos los creativos que desde una melancolía cierta, aunque un poco llorona, se quejan amargamente de esa insatisfacción que les impulsa a crear y a expresarse, pero de la que no consiguen zafarse. Se quejan de la infelicidad incompresible que les genera su estado. De cómo desearían un mundo azul, y de cómo sólo consiguen verlo todo gris. No es que no puedan huir de esa sensación, que pueden, es que si lo hacen dejan de ser quienes son.  Y eso sí que les da miedo. Al fin y al cabo, serán artistas amargados pero al menos son artistas.

Así que podríamos decir que lo peor es que todas las voces tienen algo de razón.  La lucha interior está servida. Una lucha muy dura que no te llena sino que te vacía si no encuentras el virtual confort del equilibrio que la madurez puede llegar a darte. Pero, aún así, siempre vas a tener a esas tres voces peleándose dentro de tu cabeza.

Dicen que “por tus obras te conocerán”. Y tanto que sí.  Pero nadie te dice que tú, también, te conocerás por tus obras. Más que los demás.

Y los pixies de fondo. ¿Cómo no amar este final?

Extraído de aquí

Cuidado! Que viene la poli!

Aquí, en pequeñito y sobre estas palabras, podéis ver una imagen sin etalonar y en exclusiva del nuevo vídeo-clip de Aniceto y los Intocables. El vídeo es para la canción SOPLA, que está incluida en su, lógicamente, nuevo disco.

¡Está siendo un trabajo de guerrilla total! Hemos rodado en un desguace rodeados de coches destruidos a pleno sol murciano, con sus consecuencias. Hemos rodado, también, en carreteras secundarias…¡y aún nos queda un poquito! A eso que vamos.

Lo estamos grabando con la GH2, en lo que está siendo su bautismo de fuego. Poco a poco vamos aumentado los objetivos y eso nos está ofreciendo nuevas oportunidades a la hora de contar nuestras historias. La cámara responde muy bien hasta 1250 de ISO y el AVCHD funciona mejor de lo esperado. Eso sí, graba a 24p y eso es algo a tener en cuenta  Lo más sorprendente es que la lente 14-140 que viene con la Lumix es mejor óptica de lo que pueda parecer en un principio, me está gustando mucho. No es muy luminosa, no te permite abrir a F2,8 ni nada por el estilo, pero trabajando a F5.6 y con algo de mañana puedes conseguir unos resultados muy satisfactorios, con fondos rotos y esas cosas. Ya veréis el resultado final. También estamos usando el 40mm de Lumix, esa óptica sí que da juego y es muy cañera. ¡Un todo terreno!

Bueno, queda poco tiempo para que disfrutemos del resultado final…¡A ver que tal!

Se trata de EL MES DE LA MÚSICA, un evento de un mes de duración en el que habrán 24 actuaciones musicales, un concurso musical de talentos emergentes, un curso gratuito de FL Studio de 18 horas, un taller gratuito de Música para Cine en una sala de CINESA, dos charlas sobre periodismo musical, cuatro exposiciones sobre foto-periodismo musical, una charla sobre el papel del crowfunding por INJOINET… ¡Vamos, una locura!

Os invito, a todos, a pasaros por el mes. Podéis seguir el evento desde su web: www.mesdelamusicanuevacondomina.com 

Aún quedan algunas plazas en el taller de Música para Cine, desgraciadamente las del curso de FL han volado. Pero creo que lo repetiremos en algún momento.

Y no olvidéis, si no pasa nada…¡el año que viene repetiremos!

Este es un tema recurrente en todos los foros desde que las cámaras de vídeo semi-profesionales son capaces de ofrecer una calidad óptima para la creación de obras de ficción.

Yo, en base a mi experiencia personal, claro está, tengo algunas respuestas. Pero no son estas respuestas complicadas de encontrar en libros, foros, vídeos y demás recursos educativos y de divulgación que podemos encontrar hoy día por Internet. Así que no creo que sea interesante hablar de eso otra vez… Bueno vale, diré lo siguiente:

• Graba en progresivo a la máxima calidad, usa una cámara con un sensor grandote (hoy las hay económicas)
• Si grabas a 24p sitúa el obturador en 1/48 y si es a 25p a 1/50 (aunque grabar a 1/120 me gusta particularmente, es un gusto personal ¡Haz pruebas y busca info sobre esto en Internet!)
• Procura grabar con una óptica luminosa (f2.8), si puedes o quieres, yo no siempre lo hago.
• Si vas a rodar en exteriores hazte con unos filtros ND (que bajen, al menos, 9 stops).
• No pases te pases mucho de ISO, el ruido no gusta a nadie. En mi caso, trabajo a 160-320-640 y de ahí no me paso.
• Del códec no digo nada. Doy por hecho que no contamos con negativo, así que diremos que un códec decente es lo mejor, con profundidad de color y mucha info. Simplemente eso.

Por último, yo trabajo con una GH2 y no soy director de fotografía.

En realidad, todo lo que he puesto arriba esta publicado por activa y por pasiva en Internet. Lo que a mí me preocupa no es tanto la relación con la técnica, que es muy importante y algo que motiva muchísimo, si no qué elementos deben de estar en mi escena para que parezca una película. Para mí, como realizador y productor, es muy importante la localización y el trabajo de arte. Cada día es más importante. Y lo es porque creo que una vez dominas la iluminación y el uso de la cámara, junto con sus otros componentes… todo se queda en ¿qué necesito para contar mi historia? Un buen amigo mío dice que una buena fotografía depende de un buen trabajo de arte. Y cuánta razón tiene. Cuando contamos con un buen arte, entonces, a mi juicio, iluminar se vuelve más sencillo porque ya no se trata de arreglar nada, sino de aquello luzca bien (así, a grosso modo; claro). Además con la buena respuesta a bajas sensibilidades de las cámaras actuales, podemos permitirnos trabajar con muchas luces indirectas y eso, para según que historias, y dependiendo del gusto del realizador, es muy interesante.

En definitiva y para finalizar con mi pequeña aportación. Si el cine se trata de contar algo, contarlo con imágenes. Contarlo de una manera que haga que no resulte inverosímil aquello que vemos. Entonces, creo yo, que el “look de cine”, en esencia, es eso: la verosimilitud.

Si entrase en este post a valorar todo lo que se ha dicho durante la jornada no terminaría nunca o, peor aún, tendría que dedicarme mesa por mesa, y ponente por ponente a examinar y enumerar todo lo dicho con el fin de ser lo más fiel posible a las palabras de cada uno. Y eso es algo que tampoco hace falta. Y no hace falta porque todo lo dicho allí: ejemplos de modelos de distribución, problemáticas legales, nuevas aventuras empresariales dentro de la distribución independiente a través de Internet y modelos diferentes de producción es ya un tema conocido para todos los que hemos estado observando el cambio tecnológico desde sus inicios. Desde los canales de intercambio a través de IRC, Napster o Youtube hasta la actualidad.

Además, el telón de fondo de estas jornadas, de las que ya han habido varias con esta temática, es siempre el mismo: debatir sobre el marco en el que nos encontramos y como los productores y distribuidores se pueden adaptar a él para que sus negocios sobrevivan y para que la difusión y producción de las obras cinematográficas, y audiovisuales, se sitúe dentro de un marco industrial que vaya parejo al desarrollo de Internet, la evolución de los hábitos de consumo por parte del espectador, las legislaciones existentes y, además, para que pueda competir con las grandes producciones extranjeras en difusión y acogida.

Casi nada.

Sin embargo yo he hecho de menos hablar más sobre el contenido. Sé que tal vez no se trataba de eso. Pero es que, para mi, al final, se trata de un problema de contenido. ¿Qué obras quieren ver los espectadores? Ok, desarrollemos un nuevo modelo de distribución de películas. Pero, ¿que obras ofrecemos dentro de estos nuevos sistemas? ¿son las películas que la gente quiere ver? Esa pregunta es muy dura. Es dura porque aún siendo injusta es real. Y digo que es injusta porque el Cine no son sólo obras mayoritarias. El cine independiente tiene mucho que decir, aunque resulte menos masivo. Porque es un cine que existe y gusta, de calidad. ¿Pero va a liderar el cambio? Digo esto porque el gran problema con el que se enfrentan todas las nuevas plataformas que están naciendo es que la industria, lo que se puede llamar el “grueso de la industria” a nivel global está completamente monopolizado por las grandes productoras norteamericanas. Las mismas que no han entrado a jugar aún con todos los titulares. Al final ese es el asunto, o uno muy importante y del cual se habló en las jornadas.

Se dijo, durante la celebración de las jornadas, que el contenido ya no es el rey, que es el contexto. Bueno, creo que cuando la gente quiere ver “El Padrino” o la última película de Spielberg el contenido ya pasa a ser el rey absoluto y el contexto pasa a ser la cuestión a tratar. En eso estamos ahora. Aún no tenemos el contexto desarrollado en su totalidad. Creo que se están dando pasos muy importantes, pero aún necesitamos desarrollar más el modelo, las redes y la mentalidad del consumidor para tener el contexto en donde todo funcione como la industria demanda y necesita. Y es que venimos de un modelo en dónde un gran número de internautas pagan al año una suscripción a megaupload para bajarse contenido y aún no ven claro del todo darse de alta en un servicio legal de distribución de contenido. Sin embargo, si existe esa tendencia es que existe la posibilidad. Sin embargo, volvemos al problema del contenido. Sería interesante analizar que películas y otros contenidos se bajan de megaupload y otros servicios, ¿son las películas que producimos? De nuevo una pregunta real pero injusta.

Sea como fuere algo se mueve, y se mueve porque no hay más remedio. En mi opinión lo que hace falta son más productores que piensen en nuevas cadenas de valor para sus obras audiovisuales. Y que usen medios de diferentes y más ajustados, en términos de inversión y retorno, para producir sus obras. Este es un tema del que no se ha hablado mucho durante la jornada. Se ha tocado tímidamente, pero nadie a profundizado sobre la posibilidad de crear obras cinematográficas, y de otro tipo, exclusivamente para Internet y con presupuestos y planes de negocio que se ajusten. ¿Puede una película ser estrenada en Internet para pasar, si tiene éxito, a salas luego? Es decir, ¿Tener un recorrido diferente y que todos los agentes se beneficien? Lo cierto es que sí, y existen casos ya conocidos en alquiler, como el caso de la película “Monsters”. En mi opinión los festivales juegan un papel importante en esas posibilidades.

Como he dicho, para mi todo se reduce al contenido, y por ende a la calidad del mismo. A las obras. A las buenas obras, a las que la gente quiere ver. A las que atesoran calidad y lo demuestran porque se hacen, ellas solas y por méritos propios, un lugar dentro del mercado y de la cabeza de los espectadores. Y luego, una vez tenemos eso, está en el problema a tratar: el contexto.

Afortunadamente parece que ya se está tratando. Veremos a ver que pasa.

Enrique Gonzalez Macho, el nuevo presidente de la Academia de Cine

Finalmente tenemos nuevo presidente de la academia de cine. Se trata del veterano distribuidor y exhibidor Enrique Gozalez Macho, que a parte de su larga trayectoria destaca por ser una de las mentes detrás de FILMIN, el portal cinematográfico referencia, en lo que a streaming se refiere, en España .  Esto, que para muchos no tiene importancia, para otros parece ser algo capital.

FILMIN

Es evidente que se ha apostado por el camino dentro de la industria, por una persona que continuará el discurso de los contenidos en Internet pero desde el conocimiento de causa de la distribución cinematográfica, del negocio más puro y más duro. También por alguien que lidera, junto a otros, un proyecto que intenta adaptarse a la realidad tecnológica actual. Alguien que conoce las nuevas alternativas del tan nombrado “cambio de modelo” y de como este debe de seguir un cauce, ya no simplemente legal, sino también adecuado y equilibrado. Es de esperar que haya muchos matices en el discurso iniciado por de la Iglesia; veremos a ver que tal lo lleva la comunidad de internautas, que rara vez se fían de la gente del cine o de quien intente desarrollar alternativas que no sea las ya disponibles mediantes P2P o Megavideo y similares. De hecho ya habían comentarios negativos en Meneame sobre el nuevo presidente y sus opiniones.Pero hay que esperar. Si será, o no, un mandato continuista se verá con el tiempo. Pero de lo que estoy seguro es que, como ya he dicho, va a incluir muchos matices al discurso anterior en el caso de vaya a ser ese el que se siga.

Precisamente ha sido bajo la batuta de Alex de la Iglesia cuando la academia de cine ha obtenido más protagonismo, y cuando más esfuerzo ha dedicado en reclamar un lugar en esta sociedad dominada por el cambio tecnológico. De una forma, acertada o no, Alex de la Iglesia cambió el discurso que había tenido con anterioridad, muy diferente al que ahora enarbola, y se acercó a los internautas y abogó por el cambio de modelo. Mención especial recibe la famosa reunión con diferentes agentes y personalidades en la academia de cine, gente como David Bravo, los chicos de Riot Cinema o el presidente de Fapae. Reunión que resulto muy llamativa porque se retransmitió, casi al minuto, por Twitter. Se ganó, con esa reunión, la simpatía de la comunidad internauta, que veía en estos movimientos el camino deseado. Aunque entre los compañeros de la profesión cinematográfica la cosa fue algo distinta. Dispar, más bien. Al menos eso se comentaba en la prensa. Fue precisamente esa clase de conflictos y, sobre todo, la polémica sobre la famosa Ley Sinde, lo que llevó al ya ex-presidente a anunciar que después de los Goya dejaría la academia. Memorable es recordar su discurso y la cara de algunos mientras lo escuchaban.

Alex de la iglesia durante la presentación de Los Goya

Creo que lo hecho por de la Iglesia es muy interesante. Llevando el debate a la casa institucional de la industria, discrepando desde el sillón y marchándose como una especie de “enfant terrible” que hace las cosas bien, a veces, y que dice lo que piensa; siempre. También creo que su posición es cómoda, ya que se trata de un director de culto con reconocimiento y muchos proyectos. Vayan como vayan las cosas, a él le irá bien. A las pruebas me remito. Es lo que tiene ser el director de películas como “El día de la bestia”, qué duda cabe.

Así que despierta la curiosidad la etapa que se abre ahora, con un distribuidor lanzado al mundo del streaming a la cabeza de la Academia de Cine. Será interesante observar su capacidad de influencia para que las actuales leyes, las ayudas y el concepto de industria pueda adaptarse a estos nuevos modelos de distribución. Hay que recordar que todo esto ocurre con el telón de fondo que nos ha dejado el nuevo debate abierto sobre le famoso “canón digital”. Lo dicho, una etapa apasionante.

Será cuestión de esperar y ver. Sobre todo de esto último, de ver.